jueves, 31 de mayo de 2018

LA PERSEVERANTE IMAGINACIÓN DE TERRY GILLIAM



 El hombre que mató a Don Quijote (2018) no es un estreno al uso, con independencia del resultado fílmico la película se convierte en el tesón y la cabezonería de un cineasta que no se deja vencer. Un hombre que lucha contra molinos de viento que se transforman en grandes productoras empeñadas en manejar la creatividad humana.

Venciendo a lo largo de 20 años todas las dificultades imaginables, Terry Gilliam debía terminar este proyecto que casi le cuesta la vida: un ataque al corazón en el 2016, tras el enésimo suspenso de rodaje; derrame cerebral en 2018, a punto de estrenar por fin la película.


        UN RODAJE DESASTROSO.

        Noviembre de 1998, tras el estreno de Miedo y asco en las Vegas, el director anuncia la preproducción de El hombre que mató a Don Quijote, con uno de los presupuestos más altos de la historia del cine.
        Con un reparto encabezado por Johnny Deep y Jean Rochefort el rodaje arranca en el año 2000 en localizaciones de Madrid, Guadalajara, Toledo y Salamanca; sin embargo los problemas de producción son constantes: inundaciones que dan al traste con el rodaje y provocan numerosas pérdidas, problemas con el sonido por cazas que sobrevuelan el lugar, enfermedad del actor Jean Rochefort, etc. La producción finalmente se suspende.
        Dos años después se estrena el primer documental sobre el no rodaje de una película;  Lost in La Mancha (Keith Fulton & Louis Pepe) recibe el aplauso unánime de la crítica.

        

CREADORES VERSUS PRODUCTORES

El director de Doce monos es un cineasta onírico, especialista en recrear universos  fantásticos gracias a su imparable imaginación visual.  Sus inicios como dibujante en diversas publicaciones y sus primeros cortometrajes de animación marcan su trayectoria en el cine, el mérito de Gilliam reside en su empeño por recrear para la gran pantalla sus ilusiones afrontando todo tipo de dificultades.
       

     No solo hablamos de las complicaciones técnicas para la realización del género fantástico o de ciencia ficción; los maestros como Ray Harryhausen con sus perfectas y manuales recreaciones (Furia de Titanes, Jason y los argonautas) o Douglas Trumbull con sus aportaciones a los efectos especiales en películas como 2001, una odisea del espacio o Bladde Runner,  parecen olvidados por la invasión digital que parece normalizar las labores titánicas y creativas del cine de antaño.


Terry Gilliam suma a su imaginación la crítica social y política (estudia ciencias políticas en California); y el toque de humor perfecto para redondear su universo se lo proporciona su ingreso en los Monty Python de la mano de John Cleese. ¡Qué mejor que refugiarse en la inventiva más alucinante aderezada con toques de humor para enfrentarse a los problemas y a realidad humana!

Quizás el director de El rey pescador (91) tenga la clave para no desfallecer ante las numerosas dificultades que han ocurrido en sus rodajes. Recordemos como otros grandes cineastas se enfrentaron a sus productoras en un intento de preservar su creación tal y como su mente la había concebido: Orson Welles realizó verdaderas joyas del séptimo arte, siempre con problemas, dejando cuatro films inconclusos y numerosos proyectos en el tintero; Sam Peckinpah no se resignó pese a que película tras película los productores mutilaban sus films, Mayor Dundee es uno de sus films más manipulados; MICHAEL CIMINO es el máximo exponente de ascendencia y caída de un cineasta, la excelente La puerta del cielo (80) acabó arruinando a la United Artist, pero el creador acabó su obra recuperándola años después en una apabullante y magnífica versión del director.
                               
LA DIFICIL CREACIÓN DEL ARTISTA.

Los problemas  de los rodajes de Terry Gilliam son películas en sí mismas que cuentan la dificultad de la creación, antes del documental Lost in la Mancha, el rodaje de Brazil (85) inspiró el libro y posteriormente el documental sobre los enfrentamientos por el montaje de la película. The battle of Brazil: A video history (96) (Jack Mathews) cuenta las disputas entre el director y la Universal por problemas con el montaje final (Ver artículo)

El factor hámster y otros cuentos sobre 12 monos (96) (K. Fulton & L.Pepe), cuenta anécdotas sobre el rodaje de 12 monos(95), recalcando el carácter maniático de Terry Gilliam por conseguir la toma precisa.
En Las aventuras del Barón Munchaüsen (88) el presupuesto se disparó provocando graves problemas de producción.
El secreto de los Hermanos Grimm (2005) fue un film de encargo y el director fue sustituido en el montaje final de la película.
La muerte de Heath Ledger, en mitad del rodaje y siendo el protagonista principal de El imaginario del Doctor Parnassus (2009) provocó una complicada situación. La solución de Terry Gilliam para salvar el proyecto y poder estrenarlo fue dividir al personaje principal en tres caras diferentes, así, cada vez que el personaje de Heath Ledger va cruzando el espejo se transforma en Johnny Deep, Jude Law y Colin Farrell. El film logró no solo ser coherente con su argumento, sino complementar la realidad dentro de una ficción de forma fantástica, logrando un bonito homenaje al actor fallecido.

La locura del hidalgo Caballero absorbió durante años  la cabeza del director de El hombre que mató a Don Quijote (2018).
Desde el 2005 hasta la consecución del film los intentos por levantar el proyecto han sido numerosos. Gerard Depardieu, Ewan McGregor, Robert Duvall o el fallecido John Hurt (se paralizó el rodaje por enésima vez) estuvieron a punto de protagonizar el film.

Por fin se estrena esta obra que cierra un círculo perfecto en la carrera de Terry Gilliam, la realidad se ha apoderado de la ficción transformándola, disfrutemos de la locura.

                                              José V. Navarro

                                       Mayo de 2018

El hombre que mató a Don Quijote (2018)
(Terry Gilliam)

Guión:        T. Gilliam & Toni Grisoni.
Música:       Roque Baños.
Fotografía:   Nicola Pecorini.

Reparto: Jonathan Price, Adam Driver, Olga Kurylenko, Stellan Skasgard, Joana Ribeiro, Oscar Jaenada, Jordi Mollá, Rossy de Palma, Sergi López…



FILMOGRAFIA:
Beware of the Elephants (1967) (Corto de animación)
Storytime (1968) (Corto de animación)
Monty Python´s Flying Circus (1969) (Serie de TV.)
The miracle of flight (1974) (Corto de animación)
Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (1975)
La bestia del reino (1977)
Los héroes del tiempo (1981)
Seguros permanentes Crimson (1983) (Cortometraje)
El sentido de la vida (1983) (& Terry Jones)
Brazil (1985)
Las aventuras del barón Münchausen (1988)
El rey pescador (1991)
12 monos (1995)
Miedo y asco en las Vegas (1998)
El secreto de los hermanos Grimm (2005)
Tideland (2005)
El imaginario del Doctor Parnassus (2009)
The legend of Hallowdega (2010) (Cortometraje)
The Wholly Family (2011) (Cortometraje)
Teorema Zero (2013)

El hombre que mató a Don Quijote (2018)


                      WEBGRAFIA:

ENCADENADOS, revista de cine. El cine maldito de Terry Gilliam.

Los Films de Josefo. Michael Cimino, del éxito al fracaso.

VANITY FAIR. Cronología de una película maldita.

domingo, 10 de septiembre de 2017

NOLAN VERSUS VILLENEUVE


Los estrenos de Dunkerque y Blade Runner 2049 me invitan a reflexionar sobre la trayectoria de estos dos grandes directores.

        Christopher Nolan  sacudió mis neuronas en el 2010. La compleja y excelente Origen marcaba un momento cumbre en su carrera, llevando al extremo en el film la complejidad onírica de la mente humana.
        Denis Villeneuve llamó mi atención a raíz de visionar Prisioneros en el 2013 y descubrir sus películas anteriores y el excepcional desarrollo de su carrera posterior.

        Los dos realizadores comparten similitudes no solo contemporáneas  Ch. Nolan (1970), D. Villeneuve (1967) — sino también destacadas diferencias en su obra y en su trayectoria.
        Ambos creadores poseen un magnetismo que atrapa al público manteniendo su sello de autor, aunar personalidad y espectáculo es complicado. El director de Memento alcanzó el ascenso en la industria del séptimo arte con relativa facilidad y ha logrado mantenerse película tras película. Sin embargo Villeneuve ha ido escalando entre premios y nominaciones, reconocimientos que le han hecho avanzar peldaño a peldaño hasta alcanzar la cúspide del arte cinematográfico.


        LAS TRAYECTORIAS.

        CHRISTOPHER NOLAN (Reino Unido) debuta en 1998 con Following, una cinta independiente realizada con escasos medios pero con un argumento que ya mostraba sus inquietudes artísticas. Con este film logra el galardón a la mejor película independiente de la academia británica.
        Ya en EEUU Memento (2000) se convierte en un éxito ganando diferentes premios y dos nominaciones a los oscar. Su puzzle argumental y su forma de narrar las peculiaridades de la mente humana le abren las puertas de la industria. Su siguiente film Insomnio (2002) incluye un reparto de lujo encabezado por Al Pacino y Robin Williams, a partir de ese momento se encarga de la realización de la mejor trilogía sobre superhéroes. Batman Begins (2005) inaugura una saga de films humanizando al salvador de Gotham City y logrando un extraordinario éxito de público.


 
        A partir de ese momento combina a la perfección calidad y espectáculo alternando la serie sobre Batman con El truco final (el prestigio) (2006) hasta llegar a su obra cumbre: Origen (2010).
        El director de El caballero oscuro (2008) no elige el camino fácil y se embarca en proyectos arriesgados como  Interstellar (2014), donde nos invita a una aventura multidimensional viajando por planetas, atravesando un agujero negro o mostrándonos un agujero de gusano; las argumentaciones científicas son la excusa para crear una odisea que atrapa al espectador.



        DENNIS VILLENEUVE (CANADÁ) obtiene su primer reconocimiento por un peculiar cortometraje documental en 1996 REW-FFWD y debuta en el cine en el mismo año que Christopher Nolan con Un 32 août sur terre  (Un 32 de agosto sobre la tierra). Una sorprendente película dónde ya se contempla el trabajo de los personajes a partir de un hecho dramático, el aparatoso accidente de la protagonista, su posterior desarrollo vital y la importancia de un paisaje como es el impresionante desierto de sal de Utah.
         Sus siguientes trabajos cosechan diferentes galardones. De obligada visión son: el excelente corto Next Floor (2008) o la premiada e impactante Polytechnique (2009), una personal reconstrucción de la matanza en la escuela politécnica de Montreal en 1989. El director canadiense sigue a los personajes adentrándose en la mente de cada uno de ellos, los detalles, el escenario, los diferentes puntos de vista ofrecen al espectador una experiencia espeluznante, limpia,  sin artificios.

        Con su siguiente film Incendies (2010) logra la nominación a los oscar como mejor film extranjero y el reconocimiento internacional en una película valiente, dura e inesperada, un viaje por el odio de las guerras.
        Por fin el director de La llegada (2016) recibe la llamada de Hollywood para dirigir Prisioneros (2013), un intenso drama con H. Jackman y J. Gyllenhaal. Para adaptarse  al reto de la industria americana decide realizar el mismo año Enemy (2013) una complicadísima adaptación de la novela de Saramago El hombre duplicado. Según las propias declaraciones del director canadiense realizó este film para poder afrontar con garantías el rodaje de su primera superproducción americana, la ya mencionada Prisioneros.  
        Tras toda esta intensidad profesional proyecto a proyecto el director de la notable Sicario (2015) está llamado a ser uno de los grandes del cine.
        Bladde Runner 2049 (2017) a punto de estrenarse y Dune nos esperan.

       
        LAS DIFERENCIAS.

        CHRISTOPHER NOLAN utiliza los límites de la magia, de la mente, de la ciencia, del comic y logra hacerlo creíble juntando el espectáculo visual con la explicación argumental. Todo cuadra en guiones imposibles y montajes originales con un envoltorio dónde la música y las otras facetas de producción logran el magnetismo, provocando la tensión en el espectador. Sus trucos de guión avanzan de sorpresa en sorpresa hasta la pirueta final.
El director de Dunkerque es un cineasta de extremos: la agónica supervivencia de la guerra en su último film; el insomnio de Al Pacino; la reconstrucción poliédrica de una mente; la confrontación de dos magos buscando el límite de sus trucos; la construcción de los sueños, dentro de los sueños hasta llegar al mismo origen de los mismos; el sufrimiento y el hundimiento de un superhéroe que resurge de las cenizas, llegando a su lado más humano; o el viaje por el interior de lo inexplorado en los confines de la galaxia, interpretando teorías científicas imposibles de comprender.



        DENIS VILLENEUVE recurre a grandes historias dónde la imagen predomina al diálogo, los detalles, la construcción de los personajes se convierten en la guía del argumento y nos reserva finales para pensar, para volver a revisar mentalmente la película, para sorprendernos. Todo ello sin renunciar al espectáculo visual y a un envoltorio dónde los particulares escenarios y su ambientación cobran protagonismo.
        El director canadiense maneja la historia con el seguimiento de los personajes, crea empatía con el espectador que se implica en el devenir de los hechos que les suceden y las circunstancias que los envuelven, son la guía para que la historia se haga grande, para que sin darnos cuenta los integre en una atmósfera particular que forme parte de ellos, para despistarnos, para sorprendernos, para comprobar que todo tiene un sentido, para disfrutar de lo espectacular y de lo intelectual, un cine sin fronteras.


        Dunkerque versus Bladde Runner 2049, un duelo entre pasado y futuro, una batalla dónde solo habrá un ganador, el espectador.


       






FILMOGRAFIAS.

CHRISTOPHER NOLAN

1998- Following
2000- Memento
2002- Insomnio
2005- Batman begins
2006- El truco final (el prestigio)
2008- El caballero oscuro
2010- Origen
2012- El caballero oscuro: la leyenda renace
2014- Interstellar
2015- Quay (documental)
2017- Dunkerque




DENIS VILLENEUVE

1994- REW-FFWD (cortometraje)
1996- Cosmos (segmento de la película)
1998- Un 32 août sur terre (Un 32 de agosto sobre la tierra)
2000- Maelström
2006- 120 seconds to get elected (cortometraje)
2008- Next floor (cortometraje) VER CORTOMETRAJE
2009- Polytechnique
2010- Incendies
2013- Prisioneros
2013- Enemy
2015- Sicario
2016- Arrival (La llegada)
2017- Blade Runner 2049
         Dune (pre producción)



jueves, 27 de abril de 2017

JONATHAN DEMME, silencioso artesano.

El director de El silencio de los corderos ha fallecido a la edad de 73 años.  Jonathan Demme pasará a la historia por esté clásico del cine. Recuerdo a Clarice Starling (Jodie Foster) acercándose a la celda del Dr. Hannibal Lecter y la primera aparición del siniestro personaje (memorable Anthony Hopkins). La impresión que recibe la agente del FBI se traslada a los espectadores, a partir de ese momento el film se vuelve intenso, estamos atrapados por la historia y sobre todo por un personaje que traspasa la maldad para seducirnos.
El director logró que una sensación difícil de explicar me acompañase al finalizar la proyección.


ANTES de ganar 5 oscars y tocar la gloria, Jonathan Demme dirige diferentes films en los años 70, en 1978 realiza una entrega de la serie Colombo y al año siguiente El eslabón del Niágara (79),  Roy Scheider (en su mejor momento: Tiburón, Marathon Man) protagoniza este interesante thriller.
        Stop Making Sense (84), es un aclamado documental musical del grupo Talking Heads. Rodado en tres noches y con siete cámaras, recibe excelentes críticas marcando un nuevo rumbo en la realización de conciertos en directo.  A lo largo de su carrera, Demme se descubrirá como un experto documentalista, sobre todo musical.
Puedes ver el documental entero en el enlace primero.
Disfruta de la música de Talking Heads mientras lees este artículo.


        Su siguiente film logra un éxito de taquilla, Algo salvaje (86) es una comedia romántica alocada rodada con buen ritmo, Melanie Griffith y Jeff Daniels logran unos acertados personajes.
        Casada con todos (88), es una ligera comedia de mafiosos con un excelente reparto: Michell Pfeiffer, Mathew Modine, Dean Stockwell, etc.

TRAS el éxito de El silencio de los corderos, Jonathan Demme se embarca en un drama intenso sobre la enfermedad del sida. Philadelphia gana dos oscar: mejor canción (Bruce Springsteen) y mejor actor para un Tom Hanks que se descubre como intérprete alejándose de su cliché de comediante. Denzel Washington y un emergente Antonio Banderas completan los personajes principales.
        A partir de aquí, Jonathan Demme combina la realización de films, series y sobre todo varios documentales.
Destacan las películas: Beloved (98), sobre el drama de una esclava en el siglo XIX y el aceptable remake de El mensajero del miedo (2004) con Denzel Washington y Meryl Streep, con quien repite en su penúltima realización, la reciente Ricki (2015).


Como DOCUMENTALISTA, Siguiendo la senda de Stop Making Sense, realiza tres documentales sobre tres músicos diferentes y tres más sobre Neil Young.
Los ocho documentales restantes se interesan por temas diferentes:
Políticos: Jimmy Carter, Man from Plains (2007), los intentos del ex presidente de EEUU por alcanzar la paz entre Israel y Palestina.
Sociales, I´m Caroly Parker:The Good, the Mad and the Beautiful (2011), que trata sobre la última mujer que decidió dejar su vivienda durante la evacuación del huracán Katrina en 2005 o la historia de Jean Dominique, periodista de radio haitiano y activista de derechos humanos en The Agronomist, (2007).


Nadando en Camboya de 1987, es una rareza muy estimulante: Spalding Gray, actor de reparto de Los gritos del silencio, describe sus experiencias sobre el rodaje de la película y los acontecimientos por los que atravesaba el país con una situación política convulsa.


JONATHAN DEMME, SILENCIOSO ARTESANO.

domingo, 19 de febrero de 2017

LA MÚSICA Y EL CINE en tres films que suenan de lujo (1).

     El MUSICAL.

La música es el complemento perfecto para crear una gran película, una banda sonora debe estar al servicio de la narración, de lo que se quiere transmitir al espectador; subrayando emociones, complementando a los personajes, introduciendo situaciones, etc.

Todo cambia si le damos la vuelta. Qué tal si la música se convierte en el motor de una historia o en uno de los personajes principales o en el eje de una trama.

EL MUSICAL: del claqué de Fred Astaire al de Ryan Gosling.

       
Recuerdo los bailes de Fred Astaire y Ginger Rogers; las perfectas coreografías de Gene Kelly; la mítica West side story(54); o el clásico Siete novias para siete hermanos(61). Todas estas películas marcaron una época del musical en Hollywood.
En 1978 Grease, renovó el musical, convirtiéndose en un hit generacional aportando un aire fresco y desenfadado, los tiempos habían cambiado resguardados por las chupas y los pantalones de cuero y los nuevos looks.

La magnífica All that Jazz (Bob Fosse) (79) allanaba el camino de la Fama (80) (Alan Parker). Hair (79) (Milos Forman) relanzaba la opera rock, tras Tommy y Jesucristo Superstar. Los espectáculos musicales y el esfuerzo artístico experimentaron un nuevo rumbo.
A partir de ese momento perdí el rastro del musical, tan sólo reseñar la original propuesta de Woody Allen, Todos dicen I love you (96) y la singular, Bailando en la oscuridad de Lars Von Trier, con una artista tan transgresora como Bjork.
Las últimas aportaciones al género me dejaban frio. Chicago (2002), un espectáculo demasiado encorsetado y Moulin Rouge (2000), pretencioso y excesivo.
La magia de Woody Allen contagia a LA LA LAND
Laciudad de las estrellas, (LA LA LAND) (Damien Chazelle) (2016) ha rescatado el claqué de sus protagonistas de una forma sencilla y original.

La ciudad de las estrellas, (LA LA LAND)

La ciudad de las estrellas, (LA LA LAND), un billete para soñar.

Un enorme atasco se convierte en un espectacular número musical al comienzo del film. Me sumerjo en la fantasía arropada por la música y la trepidante coreografía disfrutando de esta circunstancia idílica. Estoy dispuesto a disfrutar de un día soleado  junto a los conductores atrapados; extasiado bailo encima del techo de mi coche junto a cientos de personas; el final de esta secuencia me devuelve a la realidad de los protagonistas. Estoy dentro del film.

Transito por la vida de los dos personajes: una aspirante a actriz que se siente machacada  en cada uno de los castings, y un pianista que aspira a tener su propio club de jazz y que sobrevive alquilando sus manos en locales sin alma.
        La excelente música se mezcla con elegantes planos secuencia. Acompaño a la actriz aspirante al interior de una fiesta, ritmo, baile, diversión; una enorme piscina recibe el primer chapuzón y la cámara se sumerge en el agua y sale a flote retratando el frenesí de la diversión.
Es tarde para mi actriz, rodeada de gente se siente ausente y la cámara ralentiza sus movimientos. Volvemos a la vida real.

        Los números musicales se van sucediendo mezclando la realidad con la fantasía, la música  salva a mis protagonistas de todos sus fracasos endulzando las situaciones amargas y guiando sus destinos y sus encuentros.
        Nos encontramos ante una historia de amor envuelta en ilusión. Por fin mis personajes encuentran el momento decisivo, ese romántico primer beso tras el primer contacto tímido de sus manos. En la pantalla del cine un clásico: Rebelde sin causa, por fin sus labios se van a juntar pero el celuloide se quema. No importa, revivirán ese instante visitando la localización de la película, la magia del amor y la música se fusionan.
        Comparten sus sueños, me siento feliz con ellos, juntos podrán con todo, respiro luz, optimismo, energía, proyectos, siento el jazz como ellos, comparto sus reflexiones; pero, esto es la realidad, el amor y el desamor van de la mano. Dejamos de nuevo los sueños aparcados, la música se espacia, la melancolía, la tristeza, los reproches aparecen. El ritmo de la cinta se relaja.

        He salido de la gran pantalla, observo a mí alrededor a los espectadores que comparten mi experiencia en la sala de cine.


        Recorro el metraje en solitario, hasta que vuelve a sonar esa bonita melodía que va cambiado de registro; siento que va llegando el momento, lo deseo con fuerza, siento como mi cuerpo se levanta del asiento, la felicidad me embarga y recorro de nuevo con mis dos protagonistas esta sencilla historia donde la música y la imagen han provocado un viaje intenso en mi interior.
        Un billete para seguir soñando.
La ciudad de las estrellas (LA LA LAND) (Demian Chazelle)(2016)
                                       Reseña musical de la banda sonora por Frederic torres



miércoles, 28 de septiembre de 2016

YO ESPARTACO un libro de Kirk Douglas (2012)

YO ESPARTACO (Kirk Douglas) (2012)
(Capitán Swing)


        El libro comienza el jueves 28 de octubre de 1947. El vergonzoso Comité de Actividades Anti- estadounidenses condenaba a  «Los Diez de Hollywood». Dalton Trumbo fue el primer testigo y uno de los hombres que osó desafiar al congreso americano para luchar por la libertad intelectual en una época de oscura represión.

Dalton Trumbo defendiendo la libertad de expresión

Kirk Douglas llega a Hollywood en 1945. En su primera película, El extraño amor de Martha Ivers, coincide con el director Lewis Milestone y el guionista Robert Rossen, activistas declarados que participaban en las protestas en contra del Comité.


Barbara Stanwyck y Kirk Douglas 

        El actor de Los Vikingos cuenta sus vivencias con un tono muy cercano. Narra sus relaciones con todos los grandes directores y actores de aquellos años, asistes a sus conversaciones privadas, descubres la relación con sus íntimos amigos: Larry (Laurence Olivier), Tony (Curtis), Burt (Lancaster), Francis (Frank Sinatra), y se muestra como una estrella de carne y hueso: Luchador incansable, trabajador hasta la extenuación,  de fuerte carácter, amante de su familia y enamorado de su esposa y consejera.
        El libro recorre la vida y las películas de Kirk Douglas. Los inicios de su productora Bryna, alentada por su amigo Burt Lancaster, precursor de la producción independiente en Hollywood con “Hecht-Lancaster”.





La lectura de Espartaco dHoward Fast, ilusiona a Douglas  y se embarca en la ambiciosa producción con valentía al contratar a Dalton Trumbo como guionista. Descubrimos Los tejemanejes de los estudios, la competición de las diferentes producciones, la lucha contra la censura, los vaivenes del guión, los múltiples problemas que se presentaban diariamente arriesgando todo su patrimonio, el problemático montaje y su difícil distribución luchando contra los coletazos de Macartysmo.

Recomiendo Espartaco(60) en su versión restaurada de 1991. El nuevo montaje permite disfrutar de la magnífica partitura de Alex North que suena grandiosa y épica en su obertura, y adelanta el conflicto del film en los excelentes títulos de crédito de Saul Bass.






El film mejora con las nuevas escenas añadidas y su interludio. Con la lectura del libro me dejé atrapar por el espectáculo y su compleja producción: el cambio de director Anthony Mann por Stanley Kubrick ; la relación tempestuosa de Kirk Douglas y el director de La naranja mecánica; la búsqueda del reparto y la relación entre las estrellas del mismo (Ustinov, Laughton, Olivier); la aventura que supuso contratar a Trumbo y esconderlo, etc...

Espartaco no solo fue una excelente película. La valentía de levantar un proyecto con un guión sobre un esclavo que lucha contra la represión del estado,  conjugó a la perfección con el hecho de que fuese la película que marcó el fin de las listas negras y un triunfo de la libertad de expresión.
Kirk Douglas se puede mostrar orgulloso de un  personaje que encarnó más allá de la gran pantalla, y lo demuestra en este magnífico libro.

KIRK DOUGLAS es ESPARTACO. Sin lugar a dudas.